Trinidad (Masaccio)
| estilo renacentista | ||
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| Año | 1401-1428 | |
| Autor | Massacio | |
| Técnica | Fresco | |
| Tamaño | 680 cm × 475 cm | |
| Localización | Iglesia de Santa María Novella, Florencia, Italia | |
La Trinidad es un fresco realizado por el pintor italiano renacentista Masaccio. Su título completo es la Sagrada Trinidad, con la Virgen, San Juan y donantes (en italiano, Santa Trinità). Está pintado en uno de los muros laterales de la iglesia de Santa María Novella de Florencia en Italia. Es quizá la obra más celebrada de Masaccio aparte de los frescos de la Capilla Brancacci. Las opiniones sobre la datación del fresco varían entre 1425 y 1428. Unas fuentes dan como altura 667 centímetros y otros 680, siendo la anchura de 317 cm.
Contexto histórico y mecenazgo
[editar]La Florencia de la década de 1420 representa un hito fundamental en la historia de la cultura occidental, configurándose como un denso laboratorio de experimentación donde convivieron las últimas estribaciones del gótico internacional y el nacimiento del humanismo renacentista.[1] Este periodo, marcado por una intensa vitalidad política y un creciente orgullo cívico tras la resistencia ante la tiranía de los Visconti, vio la consolidación de una élite intelectual que, bajo la guía de figuras como Coluccio Salutati o Leonardo Bruni, reivindicó la herencia de la libertad republicana y la centralidad del hombre en el cosmos.[2] En este escenario de transición social y política, que coincide con el ascenso económico de la familia Médicis, la producción artística comenzó a liberarse de su función puramente didáctica y religiosa para convertirse en un medio de expresión de nuevos valores éticos, racionales y espaciales.[3] Masaccio se inserta en este contexto como el catalizador pictórico de las innovaciones que ya se manifestaban en la escultura y la arquitectura, rompiendo con la tradición trecentista de figuras gráciles para proponer una humanidad imbuida de gravedad y dignidad ética.[4][5] Como bien señaló Cristoforo Landino, Masaccio fue un «optimo imitatore di natura, di gran rilievo universale, buon compositore et puro sanza ornato, perché solo si dette all’imitazione del vero et al rilievo delle figure» («óptimo imitador de la naturaleza, de gran relieve universal, buen compositor y puro, sin ornamentos, porque se dedicó únicamente a la imitación de la verdad y al relieve de las figuras»),[6] una descripción que resume la austeridad y el rigor formal que el artista introdujo en el arte florentino.[7]
Descripción de la obra y composición
[editar]El fresco despliega su programa iconográfico en dos zonas claramente diferenciadas que se articulan en sentido vertical.
Zona superior — El nicho sagrado. La escena principal se desarrolla en el interior de una capilla fingida de inspiración clásica. Masaccio representa a Cristo crucificado, a Dios Padre de pie sobre una plataforma detrás de la cruz, y al Espíritu Santo. De manera significativa, Dios Padre es mostrado de pie en un espacio realista que sigue las leyes de la física, y no en un lugar sobrenatural donde habitualmente se lo representaba. La Virgen María y San Juan se sitúan a los lados de la cruz; un escalón más abajo, los donantes se arrodillan a ambos lados de la composición. La Virgen dirige su mirada hacia el espectador, funcionando como mediadora entre el mundo sagrado y el profano.[8]
Zona inferior — El memento mori. Delante del nicho ilusionístico, Masaccio pintó un altar, que en origen formaba parte de un altar físico real. Bajo la mesa del altar, representó un esqueleto de convincente factura, yacente como en una tumba abierta. Sobre el sarcófago, la inscripción en italiano vernáculo proclama: «Fui una vez lo que vosotros sois; lo que yo soy, vosotros lo seréis» —un memento mori que intensifica el misterio sacrificial representado en la zona superior. Se ha sugerido que el fresco disponía originalmente de un pequeño altar real justo delante, aproximadamente a la misma altura que el esqueleto, de manera que el fiel en oración se enfrentaba literalmente de rodillas a la imagen de la muerte antes de alzar los ojos hacia la escena de la redención. [9]
Análisis iconográfico: de la vida a la muerte
[editar]Arquitectura fingida y perspectiva
[editar]Técnica, estado de conservación y ubicación
[editar]Significado teológico y dimensión humanista
[editar]Legado e importancia historiográfica
[editar]Fue redescubierta en su integridad en 1861, después de ocultarse en el siglo XVI por un retablo de Vasari y un altar de piedra. Es considerada una de las obras fundacionales de la pintura en la Edad Moderna.[10]
Los críticos del siglo XIX vieron en ella una revelación de los principios de Brunelleschi en arquitectura y el uso de la perspectiva, hasta el punto de que algunos creyeron que Brunelleschi intervino directamente en el diseño de la obra (haya intervenido directamente o no, de todos modos se piensa que Brunelleschi al menos le enseñó conceptos y técnicas de perspectiva a Masaccio). Cuando se ejecutó, la arquitectura renacentista no había proporcionado aún ninguna bóveda de cañón.[11] La obra recuerda a las primeras obras de la arquitectura del Prerrenacimiento como San Lorenzo de Brunelleschi y el tabernáculo de San Luis en la iglesia de Orsanmichele.[12]
La pintura representa el dogma de la Trinidad, en el marco de una capilla inspirada en los arcos de triunfo romanos, con una bóveda de medio cañón dividida en casetones y sostenida por columnas jónicas, flanqueadas a su vez por pilastras que sostienen un entablamento.
La Trinidad destaca por su inspiración, tomada de los antiguos arcos triunfales romanos y la estricta adhesión a los recientes descubrimientos en materia de perspectiva , con un punto de fuga al nivel del espectador, de manera que, como lo describe Vasari[13] «Lo que es bellísimo, además de las figuras, es una bóveda de cañón dibujada en perspectiva, y dividida en cuadrados llenos de rosetones que disminuyen y se van reduciendo tan bien que parece que se perfora el muro». Con este fresco, Masaccio alcanza la perfección absoluta de la perspectiva.[14] El uso que hace Masaccio de la perspectiva hace que la composición sea un auténtico trompe l'oeil o trampantojo que hace parecer que el muro está efectivamente perforado. El fresco tuvo un efecto transformador sobre generaciones de pintores florentinos y artistas visitantes. El observador se identifica directamente con el mundo pictórico gracias al tamaño natural de las figuras y la coincidencia del punto de vista en el espacio real y en el cuadro.[15]
La única figura que no tiene una ocupación del espacio plenamente lograda en tres dimensiones es el Dios majestuoso que soporta la Cruz, considerado un ser inconmensurable. Las figuras de los dos donantes, habiéndose indicado como posibilidades miembros de la familia Lenzi o, más recientemente, Berto di Bartolomeo del Bandeario y su esposa Sandra.[cita requerida] Estos donantes representan otra importante novedad, ocupando el espacio propio del espectador, en frente del plano de la pintura, que está representado por las columnas jónicas y las pilastras de las que la falsa bóveda parece surgir. Su postura es la tradicional para los donantes: rezando, pero a tamaño natural y es digna de mención la atención puesta en el realismo y el volumen.
Por debajo de ellos, y funcionando como base de la composición, hay un altar de mármol bajo el cual se ve un esqueleto yacente. Una visión de detalle del esqueleto en el sarcófago revela también la antigua advertencia, en claras letras: IO FU GIÀ QUEL CHE VOI SETE: E QUEL CHI SON VOI ANCOR SARETE (FUI LO QUE TÚ ERES Y LO QUE YO SOY TÚ SERÁS).
La interpretación más habitual de la Trinidad es que la pintura enlaza con la conexión medieval tradicional de la capilla con el Calvario, Κρανιου Τοπος (Kraniou Topos) en griego o Gólgota en arameo, palabras todas ellas que significan calavera. La tumba en la parte inferior puede ser de los donantes o de Adán. También puede significar el viaje que debe realizar el espíritu humano para alcanzar la salvación, alzándose sobre la vida terrenal y cuerpo corruptible a través de la oración (los dos donantes) y la intercesión de la Virgen y San Juan Evangelista ante la Trinidad. La pintura puede leerse en sentido vertical ascendente, como la ascensión hacia la salvación eterna, desde el esqueleto (símbolo de la muerte) hasta la Vida eterna (Dios Padre), pasando por la oración (los donantes), la intercesión de los santos (San Juan y la Virgen), y la redención (Cristo crucificado).
Notas
[editar]- ↑ Petrucci, Francesca (1987). «La pittura a Firenze nel Quattrocento». En Federico Zeri, ed. La pittura in Italia. Il Quattrocento 2. Milano: Electa. pp. 273-304.
- ↑ Baron, Hans (1966). The crisis of the early Italian Renaissance. Princeton (NJ): Princeton University Press.
- ↑ Gombrich, Ernst H. (1985). «El mecenazgo de los primeros Médicis». Norma y Forma. Estudios sobre el arte del Reancimiento I. Madrid: Alianza Editorial.
- ↑ Berenson, Bernard (1967). The Italian Painters of the Renaissance. Londres: Pahidon.
- ↑ Baxandall, Michael (1978). Pintura y vida cotidiana en el Renacimiento. Arte y Experiencia en el Quattrocento. Barcelona: Gustavo Gili.
- ↑ Landino, Cristoforo (1974). «Comento sopra la Comedia». En Roberto Cardini, ed. Scritti critici e teorici I. Roma: Bulzoni Editore. p. 124.
- ↑ Santucci, Paola (1992). «Firenze 'Patria' delle arti: il momento dell'innovazione. Pluralità di esperienze». La pittura del Quattrocento (Storia dell'arte in Italia). Torino: UTET.
- ↑ Schlegel, Ursula. «Observations on Masaccio's Trinity Fresco in Santa Maria Novella». The Art Bulletin, vol. 45, n.º 1, 1963. DOI: 10.1080/00043079.1963.10789004.
- ↑ The Institute of Sacred Architecture. "Trinitarian Triumph" by Elizabeth Lev. Volume 45.(2026) Sacred Architecture Journal. https://www.sacredarchitecture.org/
- ↑ Walther, I.F. (dir.), Los maestros de la pintura occidental, Taschen, 2005. ISBN 3-8228-4744-5, Tomo I, pág. 93
- ↑ Siegfried Giedion, en Espacio, tiempo y arquitectura, señala que las primeras serían las bóvedas interior y exterior de Leon Battista Alberti en Sant'Andrea, Mantua, que comenzó casi cinco décadas después de la prematura muerte de Masaccio.
- ↑ Walther, I.F. (dir.), op. cit.
- ↑ Le vite..., 1568: «Quello che vi è bellissimo, oltre alle figure, è una volta a mezza botte tirata in prospettiva, e spartita in quadri pieni di rosoni che diminuiscono e scortano così bene che pare che sia bucato quel muro».
- ↑ Carrassat, P.F.R., Maestros de la pintura, Spes Editorial, S.L., 2005. ISBN 84-8332-597-7
- ↑ Walther, I.F. (dir.), op. cit.
Para saber más
[editar]- Goffen, Rona. Masaccio's 'Trinity (serie "Masterpieces of Western Painting")
Enlaces externos
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Wikimedia Commons alberga una categoría multimedia sobre Trinidad.- HumanitiesWeb: Trinidad de Masaccio (en inglés)
Datos: Q977200- Multimedia: Trinity (Masaccio) / Q977200
